LEER

Es el título de un maravilloso libro de André Kertész (Budapest 1884, Nueva York 1985). Uno de los más importantes fotógrafos del siglo XX. 
"El libro reúne imágenes tomadas entre 1915 y 1970 en las que capturó a lectores de toda condición en momentos intensamente personales..."

Siempre me interesó como fotógrafo y lector la relación entre las palabras y las imágenes. Me parece absurdo establecer entre ellas una competencia. ¿Cuantas palabras valen una imagen? ¿Cuantas imágenes genera una palabra? Es este último interrogante el que más me interesó. Leyendo he "imaginado" tantos personajes, tantos paisajes, tantas ciudades, tantos detalles. Se han formado tantas imágenes en mi mente, tal vez muchas más que las he sido capaz de capturar con mi cámara.
Es que la lectura es el combustible que enciende la imaginación. Algo indispensable para un fotógrafo que aspira a crear a partir de lo "real".

Fuente: Leer, André Kertész (2016), Periférica & Errata naturae.

EL PESCADO DE MAPPLETHORPE

El anuncio en Facebook de una exposición en la Galería Elvira González de Madrid de Robert Mapplethorpe (1946-1989) de una temática poco conocida de este autor como es la naturaleza muerta, provocó diversos comentarios.
Me llamó la atención la virulencia de uno de ellos sobre la imagen que muestra un pescado apoyado sobre hojas de diario, iluminado (supongo) por luz de sol, con una clara separación entre luz y sombra que divide el cuadro apaisado por su diagonal.
El que hace el comentario se manifiesta indignado por que se considere a esa fotografía como artística siendo, según él, "una mierda". Increpando, además, a los que "compran" esa verdadera estafa como obra de arte.
Me siguen asombrando este tipo de reacciones, por otro lado habituales en las redes llamadas sociales. Donde no se requiere respaldo cultural para opinar y se pueden descargar las toxinas que nos invaden sin costo alguno. Bienvenido entonces el pescado de Mapplethorpe para manifestar nuestra incontenible ira.  

Fish, 1985

Robert Mapplethorpe nació en 1946 en Floral Park, Queens. De su infancia, dijo: "Vengo de los Estados Unidos suburbanos. Era un ambiente muy seguro y era un buen lugar para venir, ya que era un buen lugar para irme". 

En 1963, Mapplethorpe se inscribió en el Pratt Institute, cerca de Brooklyn, donde estudió dibujo, pintura y escultura. Influido por artistas como Joseph Cornell y Marcel Duchamp, también experimentó con diversos materiales en collages de medios mixtos, incluidas imágenes recortadas de libros y revistas. En 1969, él y Patti Smith, a quienes había conocido tres años antes, se mudaron al Hotel Chelsea. Mapplethorpe adquirió una cámara Polaroid en 1970 del artista y cineasta Sandy Daley y comenzó a producir sus propias fotografías para incorporarlas a los collages, diciendo que sentía que "era más honesto".
Mapplethorpe rápidamente encontró satisfacción al tomar sus propias fotografías Polaroid  y, de hecho, pocas de esas Polaroids aparecen en sus collages. En 1973, la Galería Light en la ciudad de Nueva York organizó su primera exposición individual  "Polaroids". Dos años más tarde, adquirió una cámara de formato medio Hasselblad y comenzó a retratar a su círculo de amigos y conocidos: artistas, músicos, miembros de la sociedad, estrellas de cine y miembros de S & M underground. También trabajó en proyectos comerciales, creando portadas de álbumes, incluidas portadas para Patti Smith y Televisión y una serie de retratos y fotos de fiestas para la revista Interview .
A finales de la década de 1970, Mapplethorpe creció cada vez más interesado en documentar la escena S&M de Nueva York. Las fotografías resultantes son impactantes por su contenido y notables por su dominio técnico y formal. Mapplethorpe le dijo a ARTnews a fines de 1988: "No me gusta esa palabra 'impactante' en particular . Estoy buscando lo inesperado. Estoy buscando cosas que nunca había visto ... Estaba en condiciones de tomar esas fotos. Me sentí obligado a hacerlas ". Su carrera continuó floreciendo. En 1977, participó en Documenta 6 en Kassel, Alemania Occidental y en 1978, la Galería Robert Miller en la ciudad de Nueva York se convirtió en su distribuidor exclusivo.

Mapplethorpe conoció a Lisa Lyon, la primera Campeona Mundial de Fisicoculturismo Femenino, en 1980. Durante los siguientes años colaboraron en una serie de retratos y estudios de figura, una película y el libro Lady, Lisa Lyon . A lo largo de la década de 1980, Mapplethorpe produjo imágenes desafiantes y que adhieren simultáneamente a los estándares estéticos clásicos: composiciones estilizadas de desnudos masculinos y femeninos, bodegones de flores delicadas y retratos de artistas y celebridades en estudio, por nombrar algunos de sus géneros preferidos. Introdujo y refinó diferentes técnicas y formatos, incluyendo  Polaroids color de 20 x 24 cm, fotograbados, impresiones en platino sobre papel y lino, impresiones con transferencia de color  y Cibachrome. En 1986, diseñó sets para la actuación de danza de Lucinda Childs, Portraits in Reflection., creó una serie de fotograbados para A Season in Hell de Arthur Rimbaud , y fue comisionado por el curador Richard Marshall para tomar 
retratos de artistas de Nueva York para el libro, 50 New York Artists . 

Ese mismo año, en 1986, le diagnosticaron SIDA. A pesar de su enfermedad, aceleró sus esfuerzos creativos, amplió el alcance de su investigación fotográfica y aceptó comisiones cada vez más difíciles. El Whitney Museum of American Art montó su primer gran museo retrospectivo en 1988, un año antes de su muerte en 1989.
Su vasto, provocativo y poderoso cuerpo de trabajos lo ha establecido como uno de los artistas más importantes del siglo XX. Hoy en día, Mapplethorpe está representado por galerías en América del Norte y del Sur y en Europa, y su trabajo se puede encontrar en las colecciones de los principales museos de todo el mundo. Más allá del arte, la importancia histórica y social de su trabajo, su legado vive a través del trabajo de la Fundación Robert Mapplethorpe. Estableció la Fundación en 1988 para promover la fotografía, apoyar museos que exhiben arte fotográfico y financiar investigaciones médicas en la lucha contra el SIDA y el VIH.

Fuente: The Robert Mapplethorpe Foundation

Exposiciones en la actualidad: Galería Elvira González, Madrid, hasta el 13/07/19 y Tensiones implícitas: Mapplethorpe hasta el 10 de julio en el Museo Guggenheim de Nueva York. .

VIVIAN MAIER

Vivian Maier

En la exposición que está actualmente en Buenos Aires en Fola (Fototeca Latinoamericana) se puede apreciar la calidad de las imágenes de esta fotógrafa desconocida hasta hace diez años, cuando John Maloof descubrió una caja con negativos y rollos sin revelar en una subasta y lo compró. Su trabajo está a la altura de los grandes de la llamada "fotografía de calle", ha pasado a ser una referencia en esta temática y también en el autorretrato fotográfico.

New York, NY
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Lo sorprendente es que Vivian Maier, quien murió en 2009, no haya mostrado sus fotografías en vida. 

1959, Grenoble, France
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El feliz encuentro Maier-Maloof nos permite disfrutar de una obra fotográfica que nos maravilla y nos  posibilita vislumbrar una humanidad en Vivian, que probablemente ella misma no hubiera reconocido.

August 16, 1956. Chicago, IL
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Self-Portrait; October 18, 1953, New York, NY

Fuente:http://www.vivianmaier.com   

CARTIER - BRESSON

En las paredes de la muestra en la Usina del Arte estaba escrito:
"Para mi la cámara de fotos, es un bloc de notas, un instrumento de la intuición y la espontaneidad, dueño del instante que - en términos visuales - cuestiona y responde al mismo tiempo. Para expresar el mundo debemos sentirnos comprometidos con lo que descubrimos en el visor. Esta actitud requiere concentración, disciplina mental, sensibilidad y el sentido del equilibrio geométrico. Es por la gran economía de recursos que se llega a la simplicidad de expresión."

Henri Matisse, Vence, France (1944)

"Tomar fotografías es contener la respiración cuando todas las facultades convergen hacia la realidad fugaz. Es organizar rigurosamente las formas visuales percibidas para expresar su significado. Es poner en la misma línea de visión la cabeza, el ojo y el corazón."

USA. Louisiana. New Orleans. US writer, Truman Capote, 1947

IMOGEN CUNNINGHAM

 

Imogen Cunningham (Portland, Oregón, 12 de abril de 1883 - San Francisco, 24 de junio de 1976) fue una fotógrafa estadounidense.

Comienza su trabajo en fotografía en el año 1901 como estudiante en la universidad de Washington de química fotográfica. Fue inspirada por la fotógrafa pictorialista conocida internacionalmente Gertrude Käsebier.

Durante sus años en la universidad trabajó en el estudio fotográfico de Edward Sheriff Curtis, donde aprendió la técnica de la platinotipia y a retocar negativos.

En 1909 recibe una beca para estudiar en la escuela superior de Dresde bajo la tutela de Robert Luther, donde realizó un estudio comparativo entre los distintos métodos de la platinotipia. Durante su estancia en Europa, visitó aAlvin Langdon Coburn y Alfred Stieglitz quienes nuevamente la inspiraron.

En 1910, tras su regreso en los Estados Unidos abre su propio estudio en Seattle y obtiene rápidamente reconocimiento por sus retratos y su trabajo pictorialista. Sus primeros retratos fueron encargos de personajes de la alta sociedad, lo que evidencia el prestigio que la artista se estaba forjando dentro de la comunidad local. Al mismo tiempo estableció sólidos lazos con el mundo artístico de la época y, bajo la influencia de Gertrude Käsebier, creó la mayoría de sus exquisitas imágenes de estilo pictorialista.

En 1917, tras casarse con el artista y grabador Roi Partridge, se traslada a California, donde nacen sus dos hijos. En estos años de maternidad, Cunningham no dejó de fotografiar su entorno más cercano al mismo tiempo que se mantenía al tanto de las nuevas tendencias del arte y la fotografía a través de revistas como Camera Work o Vanity Fair.

En 1932, junto a Ansel Adams, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, Willard van Dyke y Edward Weston funda el grupo f/64.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Imogen_Cunningham

Imogen Cunningham - the unmade bed, 1957.

Imogen Cunningham - flor de magnolia, 1925

PAUL STRAND

"...quiero describir lo que veo en dos libros que tengo aquí delante. Son dos volúmenes de una monografía retrospectiva de la obra de Paul Strand. La primera fotografía data de 1915, cuando Strand era pupilo de Alfred Stieglitz; las más recientes fueron tomadas en 1968.
Las obras más tempranas son en su mayoría de gentes y lugares de Nueva York. La primera de ellas muestra a una mendiga tuerta.

Tiene un ojo opaco, y el otro incisivo, astuto. Colgado del cuello lleva un cartel en el que está escrita la palabra CIEGA. Se trata de una imagen que contiene un claro mensaje social. Pero también es algo más. Veremos más adelante que Strand en sus mejores retratos nos presenta una prueba visible, no sólo de la presencia sino también  de la vida de sus retratados. A cierto nivel, esta prueba de una vida determinada es una crítica social - Strand fue siempre coherente con su política de izquierdas - , pero, a otro nivel, la misma prueba sirve para sugerir visualmente la totalidad de otra vida vivida, desde la cual nosotros mismos no somos más que otra visión. Por eso las letras C-I-E-G-A escritas en negro sobre un cartel blanco son algo más que una palabra. Mientras tengamos la imagen ante nosotros, nunca podremos darlas por leídas.  La primera foto del libro nos fuerza a pensar en lo que significa propiamente ver."

John Berger (2008) Mirar - Editorial Gustavo Gili, Barcelona. 

REFERENTES DE LA FOTOGRAFÍA

Diane Arbus (1923 - 1971) es una de las miradas más profundas de la fotografía del siglo XX. Demostró con sus imágenes la potencia de la fotografía al desnudar nuestra humanidad sin recortes ni retoques. En la era de la manipulación de las imágenes con los programas de edición ver los retratos realizados por Diane Arbus restablece el fuerte vínculo de la fotografía con la realidad. Esa realidad que a veces no es cómoda ni complaciente ver.

Child with Toy Hand Grenade in Central Park, New York City, USA (1962)

REFERENTES DE LA FOTOGRAFÍA

Ernst Haas by Adelaide de Menil, 1967

Ernst Haas (1921/1986) es para mi un referente por su excepcional manejo del color. En sus comienzos como fotógrafo se dedicó al fotoperiodismo. En 1949 ingresó a la agencia de fotógrafos Magnum por invitación de Robert Capa. Como fotógrafo independiente trabajó para la revista Life. En 1953 esa revista publicó en 24 páginas su ensayo a color sobre la ciudad de New York. Fue la primera vez que Life publicó una nota color tan extensa. Trabajó además para publicaciones como Look y Vogue. Fue autor de cuatro libros The Creation (1971), In America (1975), In Germany (1976), y Himalayan Pilgrimage (1978). Recibió el premio Hasselblad en 1986, año de su muerte. 

Fuente www.ernst-haas.com/estate.

The Creation - The Seasons - Ernst Haas

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REFERENTES DE LA FOTOGRAFÍA

Richard Avedon (1923-2004) es uno de los referentes de la fotografía de moda del siglo XX. Pero a mí me impacta la potencia de sus retratos. Esas imágenes nos muestran algo de esas personas que va más alla de sus rostros retratados. En especial recuerdo el libro Nada personal (1964) que publicara con textos de James Baldwin, y que conocí en 1970 en una clase cuando comenzaba a aprender fotografia en la Escuela Panamericana de Arte, teniendo como profesor a Edi Flehner. 

Nada Personal: Esclavo (Richard Avedon)