martes, 11 de abril de 2017

VIVIAN MAIER

Vivian Maier
En la exposición que está actualmente en Buenos Aires en Fola (Fototeca Latinoamericana) se puede apreciar la calidad de las imágenes de esta fotógrafa desconocida hasta hace diez años, cuando John Maloof descubrió una caja con negativos y rollos sin revelar en una subasta y lo compró. Su trabajo está a la altura de los grandes de la llamada "fotografía de calle", ha pasado a ser una referencia en esta temática y también en el autorretrato fotográfico.



New York, NY
VM19XXW04208-03-MC

Lo sorprendente es que Vivian Maier, quien murió en 2009, no haya mostrado sus fotografías en vida. 


1959, Grenoble, France
VM19XXW03452-16-MC

El feliz encuentro Maier-Maloof nos permite disfrutar de una obra fotográfica que nos maravilla y nos  posibilita vislumbrar una humanidad en Vivian, que probablemente ella misma no hubiera reconocido.


August 16, 1956. Chicago, IL
VM1956W03016-04-MC
Self-Portrait; October 18, 1953, New York, NY
Fuente:http://www.vivianmaier.com   

martes, 4 de abril de 2017

CARTIER - BRESSON


En las paredes de la muestra en la Usina del Arte estaba escrito:
"Para mi la cámara de fotos, es un bloc de notas, un instrumento de la intuición y la espontaneidad, dueño del instante que - en términos visuales - cuestiona y responde al mismo tiempo. Para expresar el mundo debemos sentirnos comprometidos con lo que descubrimos en el visor. Esta actitud requiere concentración, disciplina mental, sensibilidad y el sentido del equilibrio geométrico. Es por la gran economía de recursos que se llega a la simplicidad de expresión."


Henri Matisse, Vence, France (1944)

"Tomar fotografías es contener la respiración cuando todas las facultades convergen hacia la realidad fugaz. Es organizar rigurosamente las formas visuales percibidas para expresar su significado. Es poner en la misma línea de visión la cabeza, el ojo y el corazón."



USA. Louisiana. New Orleans. US writer, Truman Capote, 1947






jueves, 6 de octubre de 2016

IMOGEN CUNNINGHAM

 


Imogen Cunningham (Portland, Oregón, 12 de abril de 1883 - San Francisco, 24 de junio de 1976) fue una fotógrafa estadounidense.
Comienza su trabajo en fotografía en el año 1901 como estudiante en la universidad de Washington de química fotográfica. Fue inspirada por la fotógrafa pictorialista conocida internacionalmente Gertrude Käsebier.
Durante sus años en la universidad trabajó en el estudio fotográfico de Edward Sheriff Curtis, donde aprendió la técnica de la platinotipia y a retocar negativos.
En 1909 recibe una beca para estudiar en la escuela superior de Dresde bajo la tutela de Robert Luther, donde realizó un estudio comparativo entre los distintos métodos de la platinotipia. Durante su estancia en Europa, visitó aAlvin Langdon Coburn y Alfred Stieglitz quienes nuevamente la inspiraron.
En 1910, tras su regreso en los Estados Unidos abre su propio estudio en Seattle y obtiene rápidamente reconocimiento por sus retratos y su trabajo pictorialista. Sus primeros retratos fueron encargos de personajes de la alta sociedad, lo que evidencia el prestigio que la artista se estaba forjando dentro de la comunidad local. Al mismo tiempo estableció sólidos lazos con el mundo artístico de la época y, bajo la influencia de Gertrude Käsebier, creó la mayoría de sus exquisitas imágenes de estilo pictorialista.
En 1917, tras casarse con el artista y grabador Roi Partridge, se traslada a California, donde nacen sus dos hijos. En estos años de maternidad, Cunningham no dejó de fotografiar su entorno más cercano al mismo tiempo que se mantenía al tanto de las nuevas tendencias del arte y la fotografía a través de revistas como Camera Work o Vanity Fair.
En 1932, junto a Ansel Adams, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, Willard van Dyke y Edward Weston funda el grupo f/64.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Imogen_Cunningham



Imogen Cunningham - the unmade bed, 1957.




Imogen Cunningham - flor de magnolia, 1925









sábado, 13 de agosto de 2016

WERNER BISCHOF

En el marco del Festival de la Luz  que se desarrolla actualmente en Buenos Aires hay para mí una exposición especialmente recomendable: WERNER BISCHOF(Suiza)
“100 años: Viaje por América” en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco.


"Werner Bischof se cuenta entre los pioneros del periodismo fotográfico internacional de la posguerra. En efecto, la carrera del fotógrafo se desarrolló de manera opuesta a la prevista por su formación inicial. Bischof estudió de 1932 a 1936 en la Escuela de Artes Decorativas de Zúrich, junto al fotógrafo Hans Finsler, formado en el Nuevo Objetivismo,lo que lehizo inclinarse por el arreglo meticuloso y perfeccionista de la fotografía de moda y de la fotografía de objetos. En 1942, Bischof ingresa como colaborador permanente en la redacción de la revista suiza "Du" para la que trabajo esencialmente como fotógrafo de moda. En 1945 comenzó un viaje a través de Europa, para tomar fotografías documentales sobre la destrucción ocasionada por la guerra. En ese entonces, Bischof comienza a orientarse hacia la prensa internacional, e ingresa en 1949 en el grupo "Magnum". Aunque su orientación hacia el periodismo le hizo modificar sus costumbres de trabajo - para él, ya no contaba la disposición de la foto en la calma del estudio, sino el momento vivo e imprevisible -, Bischof continuó sin embargo mostrándose sensible ante la perfección técnica, la composición con la luz y la construcción formal de las imágenes. En 1951 partió hacia la India septentrional y central, así como los territorios de la provincia de Bihár, para cumplir con un encargo de la revista Vogue. Bischof obtuvo su primer éxito internacional con el repotaje Hambre en la India. Aunque profundamente conmovido por la gran pobreza de la población, Bischof se muestra en esas imágenes como un observador más bien distanciado, que conservaba el sentido de la composición aún en las situaciones más extremas.

Madre e hijo, provincia de Bihar, India 1951
Durante los años siguientes, Bischof recorrió entre otros paises Japón, Indochina y Corea, como reportero fotográfico. En sus viajes, se sentía siempre fascinado por los niños que, marcados por la guerra y la pobreza, demostraban a menudo una autonomía sorprendente. Una de las fotos de niños más conocidas de Bischof es su Muchacho tocando la quena cerca de Cuzco, Perú. Bischof tomó esa fotografía algunos días antes del accidente que le costara la vida, en los Andes peruanos." MBT




Fuente: La Fotografía del Siglo XX - Museum Ludwig Colonia - TASCHEN

miércoles, 29 de junio de 2016

PAUL STRAND

"...quiero describir lo que veo en dos libros que tengo aquí delante. Son dos volúmenes de una monografía retrospectiva de la obra de Paul Strand. La primera fotografía data de 1915, cuando Strand era pupilo de Alfred Stieglitz; las más recientes fueron tomadas en 1968.
Las obras más tempranas son en su mayoría de gentes y lugares de Nueva York. La primera de ellas muestra a una mendiga tuerta.



Tiene un ojo opaco, y el otro incisivo, astuto. Colgado del cuello lleva un cartel en el que está escrita la palabra CIEGA. Se trata de una imagen que contiene un claro mensaje social. Pero también es algo más. Veremos más adelante que Strand en sus mejores retratos nos presenta una prueba visible, no sólo de la presencia sino también  de la vida de sus retratados. A cierto nivel, esta prueba de una vida determinada es una crítica social - Strand fue siempre coherente con su política de izquierdas - , pero, a otro nivel, la misma prueba sirve para sugerir visualmente la totalidad de otra vida vivida, desde la cual nosotros mismos no somos más que otra visión. Por eso las letras C-I-E-G-A escritas en negro sobre un cartel blanco son algo más que una palabra. Mientras tengamos la imagen ante nosotros, nunca podremos darlas por leídas.  La primera foto del libro nos fuerza a pensar en lo que significa propiamente ver."
John Berger (2008) Mirar - Editorial Gustavo Gili, Barcelona. 

lunes, 20 de junio de 2016

EFE SESENTA Y CUATRO


F64 promovía la práctica de la fotografía pura, sin intervenciones, en oposición al pictorialismo. La propuesta de F64 para la fotografía artística está sintetizada en el propio nombre del grupo: el diafragma más cerrado de la mayoría de los objetivos fotográficos de las cámaras de gran formato que utilizaban los integrantes de este grupo, que da como resultado una imagen de máxima nitidez.
Al respecto, Edward Weston diría:
Deseo presentar la belleza pura que un objetivo puede reproducir con toda exactitud, sin interferencia del "efecto artístico".
Partidarios de la fotografía directa, es decir, no manipulada, sus fotografías más importantes se caracterizan por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición, y el control de las zonas.
Edward Weston por Tina Modotti

En su manifiesto, los integrantes de F64 explicaban la relación entre el nombre y la estética que proponían, así como su modo de funcionamiento y expectativas respecto de su función en el medio cultural de la costa Oeste de Estados Unidos, y el resto del país.
El nombre de este grupo se deriva del número de diafragma de un lente fotográfico. Significa ampliar las calidades de claridad y definición de la imagen fotográfica, lo cual es un elemento importante en la obra de los miembros de este Grupo.
El objetivo principal del grupo es presentar muestras con frecuencia que se consideran lo mejor de la fotografía contemporánea del Oeste; y en suma a la exhibición de la obra de sus miembros, incluirá obra de otros fotógrafos que evidencien tendencias similares a las de este Grupo.
El grupo F64 no pretende cubrir el espectro completo de la fotografía o indicar a través de su selección de miembros alguna opinión despectiva respecto de aquellos fotógrafos que no están incluidas en sus muestras. Hay una gran cantidad de trabajadores serios en la fotografía, cuyo estilo y técnica no están relacionados a los objetivos de este Grupo.
F64 limita sus miembros y autores invitados a aquellos trabajadores que están pujando por definir la fotografía como una forma artística por la simple y directa presentación, usando puramente métodos fotográficos. El grupo no mostrará en ningún momento obras que no se atengan a la fotografía pura. La fotografía pura es definida como aquella que no posee características técnicas, compositivas o ideas, derivadas de alguna otra forma artística. La producción de los pictorialistas, por otro lado, indica una devoción a ciertos principios artísticos que están directamente relacionados con la pintura y las artes gráficas.
Los miembros de F64 creemos que la fotografía, como una forma artística, debe desarrollarse sobre líneas definidas por las características y limitaciones del medio fotográfico, y debe siempre mantenerse independiente de convenciones ideológicas de arte y estética que son reminiscencias de períodos históricos y culturas que antecedieron al desarrollo del medio en sí mismo.
El grupo agradecerá información relacionada con cualquier obra fotográfica seria que haya escapado a su atención, y se inclina a establecerse a sí mismo como un Foro de Fotografía Moderna.
Pepper Nº30 - Edward Weston
FUENTE: es.wikipedia.org/wiki/Grupo_f/64
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jueves, 19 de mayo de 2016

REFERENTES DE LA FOTOGRAFÍA


Diane Arbus (1923 - 1971) es una de las miradas más profundas de la fotografía del siglo XX. Demostró con sus imágenes la potencia de la fotografía al desnudar nuestra humanidad sin recortes ni retoques. En la era de la manipulación de las imágenes con los programas de edición ver los retratos realizados por Diane Arbus restablece el fuerte vínculo de la fotografía con la realidad. Esa realidad que a veces no es cómoda ni complaciente ver.
Child with Toy Hand Grenade in Central Park, New York City, USA (1962)