jueves, 12 de septiembre de 2019

LEER

Es el título de un maravilloso libro de André Kertész (Budapest 1884, Nueva York 1985). Uno de los más importantes fotógrafos del siglo XX. 
"El libro reúne imágenes tomadas entre 1915 y 1970 en las que capturó a lectores de toda condición en momentos intensamente personales..."

Siempre me interesó como fotógrafo y lector la relación entre las palabras y las imágenes. Me parece absurdo establecer entre ellas una competencia. ¿Cuantas palabras valen una imagen? ¿Cuantas imágenes genera una palabra? Es este último interrogante el que más me interesó. Leyendo he "imaginado" tantos personajes, tantos paisajes, tantas ciudades, tantos detalles. Se han formado tantas imágenes en mi mente, tal vez muchas más que las he sido capaz de capturar con mi cámara.
Es que la lectura es el combustible que enciende la imaginación. Algo indispensable para un fotógrafo que aspira a crear a partir de lo "real".







Fuente: Leer, André Kertész (2016), Periférica & Errata naturae.

martes, 9 de julio de 2019

EL PESCADO DE MAPPLETHORPE

El anuncio en Facebook de una exposición en la Galería Elvira González de Madrid de Robert Mapplethorpe (1946-1989) de una temática poco conocida de este autor como es la naturaleza muerta, provocó diversos comentarios.
Me llamó la atención la virulencia de uno de ellos sobre la imagen que muestra un pescado apoyado sobre hojas de diario, iluminado (supongo) por luz de sol, con una clara separación entre luz y sombra que divide el cuadro apaisado por su diagonal.
El que hace el comentario se manifiesta indignado por que se considere a esa fotografía como artística siendo, según él, "una mierda". Increpando, además, a los que "compran" esa verdadera estafa como obra de arte.
Me siguen asombrando este tipo de reacciones, por otro lado habituales en las redes llamadas sociales. Donde no se requiere respaldo cultural para opinar y se pueden descargar las toxinas que nos invaden sin costo alguno. Bienvenido entonces el pescado de Mapplethorpe para manifestar nuestra incontenible ira.  
Fish, 1985
Robert Mapplethorpe nació en 1946 en Floral Park, Queens. De su infancia, dijo: "Vengo de los Estados Unidos suburbanos. Era un ambiente muy seguro y era un buen lugar para venir, ya que era un buen lugar para irme". 

En 1963, Mapplethorpe se inscribió en el Pratt Institute, cerca de Brooklyn, donde estudió dibujo, pintura y escultura. Influido por artistas como Joseph Cornell y Marcel Duchamp, también experimentó con diversos materiales en collages de medios mixtos, incluidas imágenes recortadas de libros y revistas. En 1969, él y Patti Smith, a quienes había conocido tres años antes, se mudaron al Hotel Chelsea. Mapplethorpe adquirió una cámara Polaroid en 1970 del artista y cineasta Sandy Daley y comenzó a prod
ucir sus propias fotografías para incorporarlas a los collages, diciendo que sentía que "era más honesto".
Mapplethorpe rápidamente encontró satisfacción al tomar sus propias fotografías Polaroid  y, de hecho, pocas de esas Polaroids aparecen en sus collages. En 1973, la Galería Light en la ciudad de Nueva York organizó su primera exposición individual  "Polaroids". Dos años más tarde, adquirió una cámara de formato medio Hasselblad y comenzó a retratar a su círculo de amigos y conocidos: artistas, músicos, miembros de la sociedad, estrellas de cine y miembros de S & M underground. También trabajó en proyectos comerciales, creando portadas de álbumes, incluidas portadas para Patti Smith y Televisión y una serie de retratos y fotos de fiestas para la revista Interview .
A finales de la década de 1970, Mapplethorpe creció cada vez más interesado en documentar la escena S&M de Nueva York. Las fotografías resultantes son impactantes por su contenido y notables por su dominio técnico y formal. Mapplethorpe le dijo a ARTnews a fines de 1988: "No me gusta esa palabra 'impactante' en particular . Estoy buscando lo inesperado. Estoy buscando cosas que nunca había visto ... Estaba en condiciones de tomar esas fotos. Me sentí obligado a hacerlas ". Su carrera continuó floreciendo. En 1977, participó en Documenta 6 en Kassel, Alemania Occidental y en 1978, la Galería Robert Miller en la ciudad de Nueva York se convirtió en su distribuidor exclusivo.

Mapplethorpe conoció a Lisa Lyon, la primera Campeona Mundial de Fisicoculturismo Femenino, en 1980. Durante los siguientes años colaboraron en una serie de retratos y estudios de figura, una película y el libro Lady, Lisa Lyon . A lo largo de la década de 1980, Mapplethorpe produjo imágenes desafiantes y que adhieren simultáneamente a los estándares estéticos clásicos: composiciones estilizadas de desnudos masculinos y femeninos, bodegones de flores delicadas y retratos de artistas y celebridades en estudio, por nombrar algunos de sus géneros preferidos. Introdujo y refinó diferentes técnicas y formatos, incluyendo  Polaroids 
color de 20 x 24 cm, fotograbados, impresiones en platino sobre papel y lino, impresiones con transferencia de color  y CibachromeEn 1986, diseñó sets para la actuación de danza de Lucinda Childs, Portraits in Reflection., creó una serie de fotograbados para A Season in Hell de Arthur Rimbaud , y fue comisionado por el curador Richard Marshall para tomar 
retratos de artistas de Nueva York para el libro, 50 New York Artists . 

Ese mismo año, en 1986, le diagnosticaron SIDA. A pesar de su enfermedad, aceleró sus esfuerzos creativos, amplió el alcance de su investigación fotográfica y aceptó comisiones cada vez más difíciles. El Whitney Museum of American Art montó su primer gran museo retrospectivo en 1988, un año antes de su muerte en 1989.

Su vasto, provocativo y poderoso cuerpo de trabajos lo ha establecido como uno de los artistas más importantes del siglo XX. Hoy en día, Mapplethorpe está representado por galerías en América del Norte y del Sur y en Europa, y su trabajo se puede encontrar en las colecciones de los principales museos de todo el mundo. Más allá del arte, la importancia histórica y social de su trabajo, su legado vive a través del trabajo de la Fundación Robert Mapplethorpe. Estableció la Fundación en 1988 para promover la fotografía, apoyar museos que exhiben arte fotográfico y financiar investigaciones médicas en la lucha contra el SIDA y el VIH.




Fuente: The Robert Mapplethorpe Foundation

Exposiciones en la actualidad: Galería Elvira González, Madrid, hasta el 13/07/19 y Tensiones implícitas: Mapplethorpe hasta el 10 de julio en el Museo Guggenheim de Nueva York. .

lunes, 31 de diciembre de 2018

JOHN BERGER y MARTINE FRANCK

John Berger
La recopilación y selección realizada por el novelista y ensayista Geoff  Dyer de cerca de veinticinco ensayos sobre la fotografía del escritor inglés John Berger (Londres, 1926 - París 2017) reunidos en el libro Para entender la Fotografía publicado en 2017 por GG nos regala brillantes reflexiones sobre la obra fotográfica de Henri Cartier-Bresson, Paul Strand o Eugene Smith. John Berger comparte sus visiones con fotógrafos  como Sebastiao Salgado o Martine Franck.
Con esta última intercambia una serie de faxes que se publicaron originalmente como "Martine Franck" (prólogo) en Martine Franck,One Day to the Next, Thames & Hudson, 1998.







De ese intercambio rescato algunos párrafos que considero relevantes: 

John le pregunta a Martine ¿Siempre quisiste ser fotógrafa? y Martine le responde " La fotografía llego a mi como un sustituto de algo. Era muy, muy tímida, y me costaba mucho hablar con la gente; cámara en mano tenía una función, una razón para estar en dondequiera que estuviera, era testigo de la acción, pero no protagonista. Una fotografía no tiene por qué ser necesariamente una mentira, pero tampoco es la verdad. Es más bien una impresión subjetiva, pasajera. Lo que me gusta tanto de la fotografía es precisamente ese momento que no se puede anticipar; siempre tienes que estar alerta, preparada para recibir con un aplauso a lo inesperado."

Martine Franck

John Berger (Londres, 1926-París,2017) fue una de las voces más lúcidas, incisivas e inconformistas del panorama intelectual europeo. Formado en la Central School of Arts de Londres, trabajó como profesor de dibujo hasta que comenzó a escribir como crítico de arte. Pronto cambió su registro por la novela, el ensayo, la poesía, el teatro y el guión cinematográfico y televisivo. En los últimos treinta años de su vida, vivió y trabajó en un pueblo de la Alta Saboya. Entre sus estudios sobre arte publicados por la editorial GG se encuentran los títulos clásicos Mirar, Modos de ver y Otra manera de contar (con Jean Mohr), publicaciones más recientes como Sobre el dibujo (2011), La apariencia de las cosas (2014) y Para entender la fotografía (2015) así como tres obras más personales: Cataratas (con dibujos de Selcuk Demirel, 2014), Desde el taller, Diálogo entre Yves y John Berger con Emmanuel Favre (2015) y Cuatro horizontes, Una visita a la capill de Ronchamp de Le Corbusier (con John Christie, sor Techilde Hinckley y sor Lucia Kuppens, 2015).

Martine Franck (Amberes, 1938-París, 2012) fue una antropóloga y fotógrafa belga que perteneció a agencia Magnum.
Su infancia la pasó en el Reino Unido y los Estados Unidos, después entre 1956 y 1958 estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid y al finalizar se trasladó a la Escuela del Louvre. 
Su primer reportaje fotográfico lo realizó en China y Japón. Entró a trabajar como ayudante de Eliot Elisofon Gjon Mili en los laboratorios de Time Life hasta que en 1965 se independizó como fotógrafa. En 1972 forma parte de los miembros fundadores de la agencia Viva. En 1983 ingresó en la agencia Magnum.
Fue la última esposa de Henri Cartier-Bresson con quien se casó en 1970, y cuando se se creó la fundación con su nombre pasó a ser presidenta de la misma.

Fuentes: Editorial GG y Wikipedia.

martes, 11 de abril de 2017

VIVIAN MAIER

Vivian Maier
En la exposición que está actualmente en Buenos Aires en Fola (Fototeca Latinoamericana) se puede apreciar la calidad de las imágenes de esta fotógrafa desconocida hasta hace diez años, cuando John Maloof descubrió una caja con negativos y rollos sin revelar en una subasta y lo compró. Su trabajo está a la altura de los grandes de la llamada "fotografía de calle", ha pasado a ser una referencia en esta temática y también en el autorretrato fotográfico.



New York, NY
VM19XXW04208-03-MC

Lo sorprendente es que Vivian Maier, quien murió en 2009, no haya mostrado sus fotografías en vida. 


1959, Grenoble, France
VM19XXW03452-16-MC

El feliz encuentro Maier-Maloof nos permite disfrutar de una obra fotográfica que nos maravilla y nos  posibilita vislumbrar una humanidad en Vivian, que probablemente ella misma no hubiera reconocido.


August 16, 1956. Chicago, IL
VM1956W03016-04-MC
Self-Portrait; October 18, 1953, New York, NY
Fuente:http://www.vivianmaier.com   

martes, 4 de abril de 2017

CARTIER - BRESSON


En las paredes de la muestra en la Usina del Arte estaba escrito:
"Para mi la cámara de fotos, es un bloc de notas, un instrumento de la intuición y la espontaneidad, dueño del instante que - en términos visuales - cuestiona y responde al mismo tiempo. Para expresar el mundo debemos sentirnos comprometidos con lo que descubrimos en el visor. Esta actitud requiere concentración, disciplina mental, sensibilidad y el sentido del equilibrio geométrico. Es por la gran economía de recursos que se llega a la simplicidad de expresión."


Henri Matisse, Vence, France (1944)

"Tomar fotografías es contener la respiración cuando todas las facultades convergen hacia la realidad fugaz. Es organizar rigurosamente las formas visuales percibidas para expresar su significado. Es poner en la misma línea de visión la cabeza, el ojo y el corazón."



USA. Louisiana. New Orleans. US writer, Truman Capote, 1947






jueves, 6 de octubre de 2016

IMOGEN CUNNINGHAM

 


Imogen Cunningham (Portland, Oregón, 12 de abril de 1883 - San Francisco, 24 de junio de 1976) fue una fotógrafa estadounidense.
Comienza su trabajo en fotografía en el año 1901 como estudiante en la universidad de Washington de química fotográfica. Fue inspirada por la fotógrafa pictorialista conocida internacionalmente Gertrude Käsebier.
Durante sus años en la universidad trabajó en el estudio fotográfico de Edward Sheriff Curtis, donde aprendió la técnica de la platinotipia y a retocar negativos.
En 1909 recibe una beca para estudiar en la escuela superior de Dresde bajo la tutela de Robert Luther, donde realizó un estudio comparativo entre los distintos métodos de la platinotipia. Durante su estancia en Europa, visitó aAlvin Langdon Coburn y Alfred Stieglitz quienes nuevamente la inspiraron.
En 1910, tras su regreso en los Estados Unidos abre su propio estudio en Seattle y obtiene rápidamente reconocimiento por sus retratos y su trabajo pictorialista. Sus primeros retratos fueron encargos de personajes de la alta sociedad, lo que evidencia el prestigio que la artista se estaba forjando dentro de la comunidad local. Al mismo tiempo estableció sólidos lazos con el mundo artístico de la época y, bajo la influencia de Gertrude Käsebier, creó la mayoría de sus exquisitas imágenes de estilo pictorialista.
En 1917, tras casarse con el artista y grabador Roi Partridge, se traslada a California, donde nacen sus dos hijos. En estos años de maternidad, Cunningham no dejó de fotografiar su entorno más cercano al mismo tiempo que se mantenía al tanto de las nuevas tendencias del arte y la fotografía a través de revistas como Camera Work o Vanity Fair.
En 1932, junto a Ansel Adams, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, Willard van Dyke y Edward Weston funda el grupo f/64.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Imogen_Cunningham



Imogen Cunningham - the unmade bed, 1957.




Imogen Cunningham - flor de magnolia, 1925









sábado, 13 de agosto de 2016

WERNER BISCHOF

En el marco del Festival de la Luz  que se desarrolla actualmente en Buenos Aires hay para mí una exposición especialmente recomendable: WERNER BISCHOF(Suiza)
“100 años: Viaje por América” en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco.


"Werner Bischof se cuenta entre los pioneros del periodismo fotográfico internacional de la posguerra. En efecto, la carrera del fotógrafo se desarrolló de manera opuesta a la prevista por su formación inicial. Bischof estudió de 1932 a 1936 en la Escuela de Artes Decorativas de Zúrich, junto al fotógrafo Hans Finsler, formado en el Nuevo Objetivismo,lo que lehizo inclinarse por el arreglo meticuloso y perfeccionista de la fotografía de moda y de la fotografía de objetos. En 1942, Bischof ingresa como colaborador permanente en la redacción de la revista suiza "Du" para la que trabajo esencialmente como fotógrafo de moda. En 1945 comenzó un viaje a través de Europa, para tomar fotografías documentales sobre la destrucción ocasionada por la guerra. En ese entonces, Bischof comienza a orientarse hacia la prensa internacional, e ingresa en 1949 en el grupo "Magnum". Aunque su orientación hacia el periodismo le hizo modificar sus costumbres de trabajo - para él, ya no contaba la disposición de la foto en la calma del estudio, sino el momento vivo e imprevisible -, Bischof continuó sin embargo mostrándose sensible ante la perfección técnica, la composición con la luz y la construcción formal de las imágenes. En 1951 partió hacia la India septentrional y central, así como los territorios de la provincia de Bihár, para cumplir con un encargo de la revista Vogue. Bischof obtuvo su primer éxito internacional con el repotaje Hambre en la India. Aunque profundamente conmovido por la gran pobreza de la población, Bischof se muestra en esas imágenes como un observador más bien distanciado, que conservaba el sentido de la composición aún en las situaciones más extremas.

Madre e hijo, provincia de Bihar, India 1951
Durante los años siguientes, Bischof recorrió entre otros paises Japón, Indochina y Corea, como reportero fotográfico. En sus viajes, se sentía siempre fascinado por los niños que, marcados por la guerra y la pobreza, demostraban a menudo una autonomía sorprendente. Una de las fotos de niños más conocidas de Bischof es su Muchacho tocando la quena cerca de Cuzco, Perú. Bischof tomó esa fotografía algunos días antes del accidente que le costara la vida, en los Andes peruanos." MBT




Fuente: La Fotografía del Siglo XX - Museum Ludwig Colonia - TASCHEN