IMOGEN CUNNINGHAM

 

Imogen Cunningham (Portland, Oregón, 12 de abril de 1883 - San Francisco, 24 de junio de 1976) fue una fotógrafa estadounidense.

Comienza su trabajo en fotografía en el año 1901 como estudiante en la universidad de Washington de química fotográfica. Fue inspirada por la fotógrafa pictorialista conocida internacionalmente Gertrude Käsebier.

Durante sus años en la universidad trabajó en el estudio fotográfico de Edward Sheriff Curtis, donde aprendió la técnica de la platinotipia y a retocar negativos.

En 1909 recibe una beca para estudiar en la escuela superior de Dresde bajo la tutela de Robert Luther, donde realizó un estudio comparativo entre los distintos métodos de la platinotipia. Durante su estancia en Europa, visitó aAlvin Langdon Coburn y Alfred Stieglitz quienes nuevamente la inspiraron.

En 1910, tras su regreso en los Estados Unidos abre su propio estudio en Seattle y obtiene rápidamente reconocimiento por sus retratos y su trabajo pictorialista. Sus primeros retratos fueron encargos de personajes de la alta sociedad, lo que evidencia el prestigio que la artista se estaba forjando dentro de la comunidad local. Al mismo tiempo estableció sólidos lazos con el mundo artístico de la época y, bajo la influencia de Gertrude Käsebier, creó la mayoría de sus exquisitas imágenes de estilo pictorialista.

En 1917, tras casarse con el artista y grabador Roi Partridge, se traslada a California, donde nacen sus dos hijos. En estos años de maternidad, Cunningham no dejó de fotografiar su entorno más cercano al mismo tiempo que se mantenía al tanto de las nuevas tendencias del arte y la fotografía a través de revistas como Camera Work o Vanity Fair.

En 1932, junto a Ansel Adams, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, Willard van Dyke y Edward Weston funda el grupo f/64.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Imogen_Cunningham

Imogen Cunningham - the unmade bed, 1957.

Imogen Cunningham - flor de magnolia, 1925

WERNER BISCHOF

En el marco del Festival de la Luz  que se desarrolla actualmente en Buenos Aires hay para mí una exposición especialmente recomendable: WERNER BISCHOF(Suiza)
“100 años: Viaje por América” en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco.

"Werner Bischof se cuenta entre los pioneros del periodismo fotográfico internacional de la posguerra. En efecto, la carrera del fotógrafo se desarrolló de manera opuesta a la prevista por su formación inicial. Bischof estudió de 1932 a 1936 en la Escuela de Artes Decorativas de Zúrich, junto al fotógrafo Hans Finsler, formado en el Nuevo Objetivismo,lo que lehizo inclinarse por el arreglo meticuloso y perfeccionista de la fotografía de moda y de la fotografía de objetos. En 1942, Bischof ingresa como colaborador permanente en la redacción de la revista suiza "Du" para la que trabajo esencialmente como fotógrafo de moda. En 1945 comenzó un viaje a través de Europa, para tomar fotografías documentales sobre la destrucción ocasionada por la guerra. En ese entonces, Bischof comienza a orientarse hacia la prensa internacional, e ingresa en 1949 en el grupo "Magnum". Aunque su orientación hacia el periodismo le hizo modificar sus costumbres de trabajo - para él, ya no contaba la disposición de la foto en la calma del estudio, sino el momento vivo e imprevisible -, Bischof continuó sin embargo mostrándose sensible ante la perfección técnica, la composición con la luz y la construcción formal de las imágenes. En 1951 partió hacia la India septentrional y central, así como los territorios de la provincia de Bihár, para cumplir con un encargo de la revista Vogue. Bischof obtuvo su primer éxito internacional con el repotaje Hambre en la India. Aunque profundamente conmovido por la gran pobreza de la población, Bischof se muestra en esas imágenes como un observador más bien distanciado, que conservaba el sentido de la composición aún en las situaciones más extremas.

Madre e hijo, provincia de Bihar, India 1951

Durante los años siguientes, Bischof recorrió entre otros paises Japón, Indochina y Corea, como reportero fotográfico. En sus viajes, se sentía siempre fascinado por los niños que, marcados por la guerra y la pobreza, demostraban a menudo una autonomía sorprendente. Una de las fotos de niños más conocidas de Bischof es su Muchacho tocando la quena cerca de Cuzco, Perú. Bischof tomó esa fotografía algunos días antes del accidente que le costara la vida, en los Andes peruanos." MBT

Fuente: La Fotografía del Siglo XX - Museum Ludwig Colonia - TASCHEN

PAUL STRAND

"...quiero describir lo que veo en dos libros que tengo aquí delante. Son dos volúmenes de una monografía retrospectiva de la obra de Paul Strand. La primera fotografía data de 1915, cuando Strand era pupilo de Alfred Stieglitz; las más recientes fueron tomadas en 1968.
Las obras más tempranas son en su mayoría de gentes y lugares de Nueva York. La primera de ellas muestra a una mendiga tuerta.

Tiene un ojo opaco, y el otro incisivo, astuto. Colgado del cuello lleva un cartel en el que está escrita la palabra CIEGA. Se trata de una imagen que contiene un claro mensaje social. Pero también es algo más. Veremos más adelante que Strand en sus mejores retratos nos presenta una prueba visible, no sólo de la presencia sino también  de la vida de sus retratados. A cierto nivel, esta prueba de una vida determinada es una crítica social - Strand fue siempre coherente con su política de izquierdas - , pero, a otro nivel, la misma prueba sirve para sugerir visualmente la totalidad de otra vida vivida, desde la cual nosotros mismos no somos más que otra visión. Por eso las letras C-I-E-G-A escritas en negro sobre un cartel blanco son algo más que una palabra. Mientras tengamos la imagen ante nosotros, nunca podremos darlas por leídas.  La primera foto del libro nos fuerza a pensar en lo que significa propiamente ver."

John Berger (2008) Mirar - Editorial Gustavo Gili, Barcelona. 

EFE SESENTA Y CUATRO

F64 promovía la práctica de la fotografía pura, sin intervenciones, en oposición al pictorialismo. La propuesta de F64 para la fotografía artística está sintetizada en el propio nombre del grupo: el diafragma más cerrado de la mayoría de los objetivos fotográficos de las cámaras de gran formato que utilizaban los integrantes de este grupo, que da como resultado una imagen de máxima nitidez.

Al respecto, Edward Weston diría:

Deseo presentar la belleza pura que un objetivo puede reproducir con toda exactitud, sin interferencia del "efecto artístico".

Partidarios de la fotografía directa, es decir, no manipulada, sus fotografías más importantes se caracterizan por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición, y el control de las zonas.

Edward Weston por Tina Modotti

En su manifiesto, los integrantes de F64 explicaban la relación entre el nombre y la estética que proponían, así como su modo de funcionamiento y expectativas respecto de su función en el medio cultural de la costa Oeste de Estados Unidos, y el resto del país.

El nombre de este grupo se deriva del número de diafragma de un lente fotográfico. Significa ampliar las calidades de claridad y definición de la imagen fotográfica, lo cual es un elemento importante en la obra de los miembros de este Grupo.

El objetivo principal del grupo es presentar muestras con frecuencia que se consideran lo mejor de la fotografía contemporánea del Oeste; y en suma a la exhibición de la obra de sus miembros, incluirá obra de otros fotógrafos que evidencien tendencias similares a las de este Grupo.

El grupo F64 no pretende cubrir el espectro completo de la fotografía o indicar a través de su selección de miembros alguna opinión despectiva respecto de aquellos fotógrafos que no están incluidas en sus muestras. Hay una gran cantidad de trabajadores serios en la fotografía, cuyo estilo y técnica no están relacionados a los objetivos de este Grupo.

F64 limita sus miembros y autores invitados a aquellos trabajadores que están pujando por definir la fotografía como una forma artística por la simple y directa presentación, usando puramente métodos fotográficos. El grupo no mostrará en ningún momento obras que no se atengan a la fotografía pura. La fotografía pura es definida como aquella que no posee características técnicas, compositivas o ideas, derivadas de alguna otra forma artística. La producción de los pictorialistas, por otro lado, indica una devoción a ciertos principios artísticos que están directamente relacionados con la pintura y las artes gráficas.

Los miembros de F64 creemos que la fotografía, como una forma artística, debe desarrollarse sobre líneas definidas por las características y limitaciones del medio fotográfico, y debe siempre mantenerse independiente de convenciones ideológicas de arte y estética que son reminiscencias de períodos históricos y culturas que antecedieron al desarrollo del medio en sí mismo.

El grupo agradecerá información relacionada con cualquier obra fotográfica seria que haya escapado a su atención, y se inclina a establecerse a sí mismo como un Foro de Fotografía Moderna.

Pepper Nº30 - Edward Weston

FUENTE: es.wikipedia.org/wiki/Grupo_f/64

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REFERENTES DE LA FOTOGRAFÍA

Diane Arbus (1923 - 1971) es una de las miradas más profundas de la fotografía del siglo XX. Demostró con sus imágenes la potencia de la fotografía al desnudar nuestra humanidad sin recortes ni retoques. En la era de la manipulación de las imágenes con los programas de edición ver los retratos realizados por Diane Arbus restablece el fuerte vínculo de la fotografía con la realidad. Esa realidad que a veces no es cómoda ni complaciente ver.

Child with Toy Hand Grenade in Central Park, New York City, USA (1962)

Cuanto puedo cobrar por este trabajo?
Este interrogante entre los fotógrafos es un clásico y es un drama al que hay que enfrentarse cotidianamente. Es además la pregunta más frecuente en los foros de fotógrafos.
Los que "vivimos" de la profesión, hemos resuelto el tema en muchos casos en forma improvisada y lo fuimos ajustando con la experiencia a través de los años. Lo que es llamativo es que en muchos casos sigue utilizándose la misma "metodología" de la improvisación. De esta forma nos asumimos como dependientes de la buena voluntad de nuestros colegas o de listas de precios que son publicadas y que no estamos en condiciones de evaluar.
El déficit de información con el que nos movemos tiene sus orígenes en la poca presencia que tienen la fijación de precios, la rentabilidad, los costos fijos, etc. en nuestra formación como fotógrafos. Nuestro interés en la capacitación profesional pasan por temas técnicos y tecnológicos y lo comercial no nos resulta atractivo, más bien aburrido. Sin embargo es este aspecto de la profesión es el que nos va a mantener y hacer crecer en el mercado. 
Mercado, negocio, dinero, inversión, amortización, son conceptos que debemos incorporar si aspiramos a vivir de esto.
Son muchos los cambios que ha sufrido la fotografía profesional, pero tal vez el de la tecnología sea el más relevante.
Si tenemos en cuenta que los profesionales somos una parte minúscula de los consumidores de tecnología fotográfica podemos deducir la importancia que en general tenemos para las empresas que la fabrican. Un ejemplo lo encontramos cuando al publicitar sus productos resaltan que sus equipos permiten con facilidad hacer fotografías como los profesionales aún tratándose de teléfonos celulares. Si nos limitamos al aspecto tecnológico tal vez encontremos algo de verdad en el mensaje. Lo que dejan afuera hábilmente es que estamos hablando sólo de una herramienta y el resultado depende absolutamente de quien la maneja.
En esta realidad si no tomamos conciencia de las dificultades que enfrentamos en lo profesional y comercial seremos como hojas en la tormenta.
La fijación del precio de nuestros trabajos es, primero una responsabilidad individual que requiere de capacitación y luego una responsabilidad compartida por la comunidad de fotógrafos para hacer de la competencia y la convivencia en el mercado algo civilizado. Aunque suene utópico, es a lo que deberíamos aspirar para evitar la ley de la selva y el sálvese quien pueda.

REFERENTES DE LA FOTOGRAFÍA

Ernst Haas by Adelaide de Menil, 1967

Ernst Haas (1921/1986) es para mi un referente por su excepcional manejo del color. En sus comienzos como fotógrafo se dedicó al fotoperiodismo. En 1949 ingresó a la agencia de fotógrafos Magnum por invitación de Robert Capa. Como fotógrafo independiente trabajó para la revista Life. En 1953 esa revista publicó en 24 páginas su ensayo a color sobre la ciudad de New York. Fue la primera vez que Life publicó una nota color tan extensa. Trabajó además para publicaciones como Look y Vogue. Fue autor de cuatro libros The Creation (1971), In America (1975), In Germany (1976), y Himalayan Pilgrimage (1978). Recibió el premio Hasselblad en 1986, año de su muerte. 

Fuente www.ernst-haas.com/estate.

The Creation - The Seasons - Ernst Haas

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F

ENSEÑAR Y APRENDER

En la enseñanza y el aprendizaje de la Fotografía debemos develar (o revelar) dos misterios: qué le pasa a la cámara cuando apretamos el botón disparador y qué le pasa al fotógrafo cuando aprieta el botón disparador. El primero es tarea del maestro y el segundo es tarea del aprendiz. La mirada se sirve de la técnica. Todos miramos, lo decisivo es ver. Henri Cartier-Bresson lo resumió así: "Fotografiar es poner en el mismo punto de mira la cabeza, el ojo y el corazón".

Henri Cartier-Bresson

KODACHROME

La película de transparencia color Kodachrome (1935/2009) fue dejada de fabricar el 22 de junio de 2009. De grano fino y colores saturados fue una película única por su registro del color. En los últimos años solamente se procesaba en el laboratorio Dwayne's Photo de Kansas en Estados Unidos. Recuerdo que su precio incluia el proceso secreto (K 14) y que tardaba tres meses ya que debía ser envíada por correo a México, Panamá o Estados Unidos para ser revelada y enmarcada. Evidentemente no era un material para equivocarse en la exposición. Los fotógrafos de National Geographic, en su mayoría, la utilizaban . En la página de Kodak le rinden homenaje con imágenes de Eric Meola, Steve McCurry y Peter Guttman. Para mi la reproducción de los colores de la Kodachrome ha sido inigualable y el fotógrafo Ernst Haas el que mejor la interpretó.

The Creation - The Elements - Ernst Haas

REFERENTES DE LA FOTOGRAFÍA

Richard Avedon (1923-2004) es uno de los referentes de la fotografía de moda del siglo XX. Pero a mí me impacta la potencia de sus retratos. Esas imágenes nos muestran algo de esas personas que va más alla de sus rostros retratados. En especial recuerdo el libro Nada personal (1964) que publicara con textos de James Baldwin, y que conocí en 1970 en una clase cuando comenzaba a aprender fotografia en la Escuela Panamericana de Arte, teniendo como profesor a Edi Flehner. 

Nada Personal: Esclavo (Richard Avedon)

NOSOTROS LOS FOTÓGRAFOS

Pertenezco a esa clase de personas que hablan en plural aunque se encuentren solos. Tal vez con la ilusión de estar acompañado. Porque ¿qué es uno sin el otro?

Hace unos años a mi mujer una amiga le planteó: "Cuando decís ¡Vamos! date vuelta a ver si alguien te sigue". Es algo que evito por que me obligaría a quedarme esperando. 

Este blog, este espacio es para nosotros los fotógrafos. Para los que tienen "éxito" y para los que no tanto, para los "mediáticos" y para los que se avergüenzan ante el público, para los que "saben" y para los que reconocen que ignoran, para los que "tienen la precisa" y para los que dudan, para los que piensan en ser fotógrafos y para los que viven la fotografía.

Este blog es, para mí, seguir en el camino detrás de una utopía, una idea de que es posible un lugar de encuentro para los fotógrafos que nos permita compartir nuestras distintas miradas.

Los no ya los tengo todos, ahora voy por los SI.

W. Eugene Smith

PREMIOS ORTEGA Y GASSET

El fotógrafo Samuel Aranda ha sido galardonado con el premio a la mejor fotografía por una imagen de la serie Llegando al paraíso, publicada en el diario Ara. La fotografía, en blanco y negro, muestra a una madre abrazada a su hijo en el agua en la costa de Lesbos. El jurado ha resaltado “la fuerza y el dramatismo de una imagen que representa el drama de los refugiados que intentan cruzar el Mediterráneo”. (fuente diario El País de España)

'Llegando al paraíso', imagen ganadora del Premio Ortega y Gasset / SAMUEL ARANDA

LA CÁMARA

Image Source : http://onemicmagazine.com/ansel-adams/

"El componente más importante de la cámara se encuentra treinta centímetros por detrás de ella" Ansel Adams

La expectativa de la profesión y las expectativas de los profesionales

¿Practicar la fotografía como un oficio significa acaso estar integrado en un grupo  profesional y considerarse como tal?

El fotógrafo es, o dice ser, un profesional aislado: ¿no habría que ver un indicio de ese aislamiento en la escasez de amistades y de lazos personales entre fotógrafos?

¿Sería éste "individualista", "particularista'', "celoso de sus trabajos", en una palabra

un independiente que "fusila” las ideas de otros y no sabe cooperar?

Precisamente a esa naturaleza particular, admitida por todos los profesionales, se atribuye en primer lugar la desorganización de la profesión.

"No saben vivir en común, no consiguen hacer lo que quieren y no se dan cuenta de que podrían lograrlo si se entendieran entre sí. No tienen espíritu sindicalista, es una profesión que no se sabe defender bien" (fotógrafo, profesor en l'École technique de photographie et de cinématographie)

Pierre Bourdieu (2003) Un arte medio – Editorial Gustavo Gili, Barcelona

Pierre Bourdieu